Les cinéastes émergents parlent d’une nouvelle facette du super-héros

Ultraman est une franchise médiatique importante au Japon depuis la série télévisée Ultra-Q a été créée pour la première fois en 1966. Même à distance, le personnage a eu un impact sur la jeune Shannon Tindle qui a grandi dans la campagne du Kentucky, qui allait devenir la scénariste-réalisatrice du film d’animation de Netflix. Ultraman : en hausse. Avec le co-réalisateur John Aoshima, le duo a fait ressortir une nouvelle facette du géant du combat de kaiju en mettant l’accent sur la garde plutôt que sur la destruction.

Le film suit Ken Sato (Christopher Sean), une star du baseball qui retourne au Japon pour assumer le rôle d’Ultraman lorsque son père prend sa retraite. Bien que son attitude impétueuse et égocentrique ne lui attire pas beaucoup de fans, sa vision change rapidement lorsqu’il devient le gardien d’Emi, un nouveau-né kaiju.

Deadline a eu l’occasion de s’asseoir avec Tindle et Aoshima, ainsi que le superviseur VFX Hayden Jones et le compositeur Scot Stafford d’Industrial Light & Magic (ILM) pour discuter de l’animation.

Tindle a l’idée de ce film en tête depuis 23 ans, et il a toujours eu le même principe de base. Mais ce n’est que lorsqu’il est devenu parent qu’il a vraiment compris à quel point la relation familiale entre Ken et Emi devait être profonde. « Avant ma fille, je connaissais bien sûr l’expérience d’être une personne célibataire et égoïste qui peut faire ce que vous voulez à peu près quand vous le souhaitez », dit-il. « Mais quand un enfant arrive, il y a certains sacrifices que l’on fait, et c’est difficile. »

Aoshima avait également un lien personnel avec Ken, car il est également un Américain d’origine japonaise qui ne se sentait pas à sa place quand il était plus jeune. « J’ai commencé à partager des histoires d’enfance », dit-il. « Je veux dire, à l’époque, ils peuvent être classés comme un traumatisme, mais en tant qu’adulte, avec le recul, cela a vraiment montré quel était mon voyage et ce voyage est ce que je voulais partager avec Shannon et qui peut aider à donner une expérience réelle et authentique à le personnage. On ne rentre pas dans les détails dans le film, mais ça se sent. Vous pouvez sentir la puce sur l’épaule de Ken.

L’idée de famille était si profonde que Stafford a décidé de créer un seul « thème familial » pour la partition et de dériver les thèmes des personnages. « J’avais besoin que tout soit interconnecté », dit-il, « donc mes deux solutions pour cela étaient d’avoir chaque thème musical interconnecté et orbitant autour du thème familial, juste pour que tout ait la même structure d’ADN, et ensuite j’avais besoin d’avoir un instrument qui a juste gardé la réalité.

Cet instrument était la harpe, qui, selon Stafford, était le cœur de la partition et l’instrument le plus polyvalent qu’il pouvait utiliser. Le meilleur exemple, dit-il, est la première scène du film où un jeune Ken prépare des ramen et regarde du baseball avec ses parents. « J’avais besoin que la musique ressemble au début d’une histoire classique de super-héros, mais qu’elle ait aussi une profondeur et une intimité, et qu’elle ressemble simplement au câlin le plus grand et le plus chaleureux que je puisse faire, car à la seconde où elle s’éloigne, je voulais ça fait mal. Pour ce faire, il faut avoir l’instrument au son le plus charmant, le plus tendre et le plus intime, et je revenais sans cesse à la harpe pour sa capacité à le faire, mais aussi pour sa capacité à changer simplement en changeant légèrement la technique de l’endroit où le le joueur tient ses doigts.

Bien que la harpe soit l’instrument principal, la partition utilisait également des sons 8 bits et le guitariste de Polyphia, Tim Henson, pour composer l’action. La guitare électrique de Henson avait du sens pour les combats de kaiju, mais Stafford a eu un peu de mal au début à comprendre comment incorporer les synthétiseurs 8 bits sans avoir l’air d’être là uniquement par nostalgie. « Ce que les sons 8 bits ont vraiment bien fait, c’est au milieu d’une scène épique, où il y a toutes sortes de séquences d’action et de chorégraphies incroyables, mais quelque chose ne va pas bien… c’est là qu’intervient le 8 bits », dit-il. « C’est le son de Ken qui échoue, alors que Tim Henson était le son de Ken qui botte le cul. »

Les deux sons avaient du sens pour les séquences d’action, car le style d’animation rappelait l’anime ou les romans graphiques mais avec un style visuel unique grâce aux effets visuels. « Nous avons beaucoup étudié différents styles de combats d’anime et d’images d’impact, où il suffit d’inverser la couleur ou de lui donner un style légèrement différent pour quelques images », explique Jones.

En plus des images d’impact, Jones affirme également avoir supprimé le flou de mouvement et ajouté des traits à l’animation pour imiter un style anime, ce qui est quelque chose de totalement nouveau pour ILM. « Cela donnait l’impression que le mouvement était très rapide, mais il ne s’agissait pas d’un flou de mouvement comme nous l’utilisons normalement chez ILM », dit-il. « Donc, vous recrutez des artistes qui peuvent presque désapprendre comment ils le font depuis des années et des années, et vous vous dites : « OK, nous supprimons tous ces outils dont vous êtes habitués et nous devons venir. avec un nouvel ensemble d’outils. Et travailler chez ILM, c’est comme avoir la meilleure boîte à outils au monde.

En travaillant avec les cinéastes, Jones et son équipe ont pu trouver de nouvelles façons d’incorporer une esthétique d’anime tout en conservant le style original. «Beaucoup de pentes, beaucoup de taches, beaucoup de références à des dessins animés que nous avions appris à aimer», dit-il. « Et en les réunissant tous, nous pourrions vraiment, vraiment styliser Ultraman : en hausse dans ce look visuel superbement unique.

Une grande partie de ce look provenait de la recréation d’une version authentique du Japon, ce qui était important pour toutes les personnes impliquées dans le projet. « De nombreux membres de l’équipe vivaient au Japon ou étaient originaires du Japon », explique Tindle. « Il y a le Tokyo que l’on voit dans les films, qui a tendance à se concentrer uniquement sur des endroits comme Akihabara, mais nous voulions donner cette nuance. C’est une ville grande et étonnante.

Jones affirme que les recherches visant à restructurer la ville ont été approfondies, au-delà de la simple observation de cartes et de bâtiments. « Netflix a mis en place un comité culturel japonais qui s’assurait que tout ce que nous faisions était vraiment authentique et ils nous ont également donné de petites séances d’information sur ce que c’était que d’être japonais et de vivre à Tokyo », dit-il. « Ceux-ci ont été formidables pour informer les artistes sur les choses qui étaient importantes… Certaines zones de Tokyo ont un certain style de construction que d’autres, et nous avons fait très attention à ce que chacune ressemble à la zone dans laquelle nous nous trouvions. »

« Ce que j’aime, c’est que certains de nos artistes japonais venus du Japon ont expliqué comment ils ont appris à comprendre ce qu’est le Japon d’un point de vue japonais », ajoute Aoshima, « car ce n’est peut-être pas une ville qu’ils côtoient, mais ils le comprennent en quelque sorte… Si vous voulez vraiment l’évaluer pour avoir une bonne représentation de la ville, alors cela donne un poids et une responsabilité supplémentaires pour représenter correctement votre pays d’origine, donc je pense que c’est là qu’une grande partie de cet amour est venu. »